Reise
Denne historien ble produsert av Glimpse Correspondents Program.
I DE TIDLIGE STIRRINGENE AV ANDET IVORISKE CIVIL KRIG i februar 2011 rømte Aboudia Abdoulaye Diarrassouba fra sin leilighet i Abobo til hjemmet til sin agent Stefan Meisel i Abidjan-området i Riviera Golf. 30. mars 2011 brøt kampen om Abidjan ut. Den unge ivorianske maleren var innestengt på verkstedet hos Stefanus hus i 10 dager.
I løpet av dagen jobbet Aboudia i garasjen, bare 12 meter fra ødeleggelsen i gatene i Abidjan. Mellom lullene i kampene ville han se over veggene. Han så kropper spredt i gatene. Likene fikk noen dager nåde, og deretter ble dekk plassert oppå dem og satt opp. Når tre og søppel ble tilsatt, ville den tykke, skarpe røyken til slutt spre seg. De resterende asken ble spredt i buskene eller feid inn i avløpet.
Han malte det han så: "hverdagen, miljøet mitt, konteksten min."
Da Aboudia gikk tom for forsyninger, blandet han de gjenværende malingene eller scavenged for materialer. Da han våget seg utenfor 10 dager senere, hadde han fullført 30 malerier.
Etter ti år med borgerkrig blir utvandrere beskyttere av kunsten i Elfenbenskysten
Kjæresten min Manu og jeg bor i Riviera Golf, rundt hjørnet fra Aboudia. Vi flyttet hit fra Toronto i januar for å forfølge nye karrierer: Han jobber for en organisasjon som hjelper gründere med å bygge bærekraftige virksomheter; Jeg fokuserer på frilansskriving.
Da vi først ankom, kunne jeg bare se restene av krig: de svertede bygningene, de væpnede soldatene, jernnettet på dører.
En måned senere gjorde jeg en innsats for å være mer oppmerksom på miljøet mitt og mindre oppmerksomhet på konteksten jeg hadde lest så mye om. Jeg kunne se de halvferdige rammene av husene skaffet murstein og mørtel; gjerder hadde sprunget opp og ved siden av dem, vaklevore bord vrimlet av mango, ananas og uklare flasker med kolanøtter.
Da vi først ankom, kunne jeg bare se restene av krig: de svertede bygningene, de væpnede soldatene, jernnettet på dører.
Og det som Aboudia så i fjor skjedde bare fem minutter fra vi bor.
I årene etter uavhengighet i 1960 var Elfenbenskysten en modell for stabilitet for Vest-Afrika under presidentskapet av Félix Houphouët-Boigny, som regjerte i 33 år i relativ fred. Houphouët-Boigny var medvirkende i kampanjen for landets uavhengighet, men oppmuntret franske teknikere til å bli og utvikle Elfenbenskysten.
I 1978 hadde Elfenbenskysten etterfulgt Ghana som verdens øverste kakaoprodusent og eksportør. President Houphouët-Boigny oppmuntret innvandring til å oppfylle den globale etterspørselen etter kakao. Innbyggere fra naboland som Mali, Burkina Faso og Guinea lot seg lokke av Elfenbenskustens økonomiske velstand; innen 1980 var 26% av befolkningen utenlandsk. To år senere doblet inntektene fra eksport seg.
Men den økonomiske velsignelsen var kortvarig - en verdensresesjon, tørke og et fall i internasjonale priser på kakao og kaffe sank landet i økonomisk krise. Spenningene økte delvis på grunn av millionene av Burknabés som bodde i Elfenbenskysten som søker jobb. “Innfødte” ivorianere harselet innvandrerne som de nå anklaget for å stjele levebrødene sine. Etter Houphouët-Boignys død i 1993 begynte landet å utarte seg til kaos.
Spenninger mellom ivorianere og innvandrere brøt ut i den første ivorianske borgerkrigen i 2002. Krigen brøt ut mellom styrkene til president Laurent Gbagbo - som knuste landets fremmedfiendtlige flammer mot sin rival, Alassane Ouattara, en muslim fra landets nord, hvis ivorianske arv var blir avhørt - og styrkene Nouvelles de Côte D'Ivoire, som representerte muslimske nordmenn som støttet Ouattara og følte at de var blitt marginalisert av de kristne sørlendinger.
Krigen ble avsluttet i 2004, men franske og FNs fredsbevarere fortsatte å patruljere sonen som skilte det opprørsholdte nord fra det regjeringsstyrte sør. Valg ble kontinuerlig forsinket av Gbagbo og landets generelle urolighet, og ble ikke avholdt før i 2010, fem år etter at Gbagbos periode skulle ha avsluttet. Deretter nektet Gbagbo å innrømme nederlag til Ouattara, og den andre ivorianske borgerkrigen begynte og drepte mer enn 3000 mennesker.
I løpet av dette tiåret med konflikt stengte eller flyttet mange selskaper, noe som førte til enorme tap av jobben. Fra 30. november 2011 sa Verdensbanken at fire millioner unge menn var arbeidsledige i et land på 21 millioner.
For kunstnerne i Elfenbenskysten skadet borgerkrigen en infrastruktur som hadde få støttemekanismer for dem til å begynne med; selv i mindre ustabile tider, ble kunstnere hardt presset for å tjene til livets opphold med tvillingbyrdene til ti års konflikt og avtagende utenlandske investeringer (i form av turister og lånetakere).
I juli forrige sa kulturminister og Francophonie, Maurice Bandama, at regjeringens kommende prosjekter, som inkluderer festivaler og en sentralisert database over kunst- og kultursteder, ville tenne en kulturell renessanse i Elfenbenskysten: "[Det handler om] å distribuere alle kunstnere, filmskapere, malere for å hjelpe til med helbredelse og sosial samhørighet,”sa han. "Vårt arbeid [er å gjøre] denne sektoren lønnsom."
Merket for departementet er: "Kunst og kultur vil forene oss."
Men Bandama innrømmet at det hadde vært utfordringer med å gjenopprette infrastrukturen på grunn av plyndring - til og med Kulturpalasset stengte i flere uker i kjølvannet av valget i 2010. Rehabiliteringen var symbol på landets ønske om å komme videre.
Likevel trenger en samtidskunstscene mer enn et fornyet sted for å trives - den må etablere en industri for å markedsføre verkene sine, et sted med gallerier og samlere, kritikere og en hengiven publikum. Fremfor alt trenger en spirende samtidskunstscene kontinuitet.
Det er noen Ivorians som forkjemper saken for moderne kunstnere i Elfenbenskysten: Simone Guirandou-N'Diaye, kommisjonæren for den første internasjonale utstillingen for visuell kunst, som ble holdt på kulturpalasset i desember i fjor, der 50 lokale kunstnere og 15 utenlandske artister deltok; Augustin Kassi, født i Abidjan, som grunnla Biennalen for naiv kunst i 1998, og bruker festivalen som en plattform for å promotere andre vestafrikanske kunstnere; og Illa Donwahi, som opprettet Charles Donwahi Foundation of the Arts i 2008 for å svare på de utilstrekkelige (eller fraværende) distribusjonskanalene, museene og galleriene for kommende kunstnere. Stiftelsen inkluderer tre villaer, to leiligheter og en kunstnerbolig.
Det finnes også lokale kunstkollektiver, men disse gruppene genererer ikke midler som er nødvendige for å gjøre kunstnerne selvopprettholdende, selv om de gir et støtteapparat og en følelse av solidaritet. Å forene dem med andre likesinnede grupper utenfor landet er en herculean oppgave i seg selv. Mangelen på sentraliserte databaser og de fjerntliggende stedene til noen av kunstnerne kan gjøre møter umulige. En offentlig database vil gjøre det mulig for kunstnere å enkelt nå interesserte kjøpere, jevnaldrende og gallerileiere og ville legge til rette for sammenkomster for utstillinger, galleriåpninger og festivaler.
De fleste nye kunstnere i Elfenbenskysten mangler faktisk forbindelsene til det globale kunstsamfunnet som kan tillate dem å tjene penger på talentene sine. Og slik har utvandrere blitt investert i å gjenopplive landets samtidskunstscenen ved å samkjøre seg med ivorianske kunstsamlere, kritikere og aficionados for å bli beskyttere av kunsten.
Djôly du môgôba
Fremveksten av en ivoriansk kunstner
En gapestokk kanin krabbet bak Aboudias siste lerret, som satt under et bølgetak i agenten Stefan Meisels garasje. Da Aboudia flyttet inn med Stefan, tok han med seg to hvite kaniner - nå anser Stefan dem for å være”kjæledyrene våre i arbeidsområdet vårt.”
Stefan og jeg satt på terrassen. Kaninen nappet på fingrene når jeg rakte etter et glass vann. Øynene var blanke og rosa. en klump av blå akrylmaling var innebygd i pelsen.
For fem år siden møtte Stefan en jente og fulgte henne til Abidjan fra Berlin. Byen passer ham, med sitt avslappede antrekk og enda mer avslappede oppførsel. Pinstriped skjorte hans var untucked, håret i en løs hestehale. Han røyker dagens tredje sigarett.
En gang var Stefan en kunstner i sin egen rett, men som han ærlig uttrykket det, sluttet han fordi han innså at han aldri ville bli en “kunstner på høyt nivå.” Blant hans andre yrker har han hatt den ettertraktede stillingen som fotograf for Côte d'Ivoires fotballag, Les Éléphants, og hadde tilsyn med produksjonen av landets telefonbok. Han er nå agent for flere fremtidige ivorianske artister.
"Etter den første revolusjonen på slutten av nittitallet og deretter den andre i fjor, ble Elfenbenskysten litt av et kulturvakuum, " sa Stefan. "Men det har endret seg akkurat nå med Internett og påvirkninger utenfra."
Stefan oppdaget Aboudia via Facebook da han så Aboudias malerier på en venns side. Han besøkte Aboudias studio i distriktet Abobo og gikk med på å betale Aboudia en månedlig sum på 300.000 CFA ($ 570 USD) - halvparten for maleriene, den andre halvparten for levekostnadene. (Stefan fortalte at Aboudia brukte mesteparten av pengene på materialene.)
Aboudia ble født i Abengourou, en liten by omtrent 240 km fra Abidjan. Da han fortalte foreldrene at han ønsket å bli kunstner, kastet faren ham ut av huset, men moren ga ham sparepengene sine (15 000 CFA, omtrent $ 30 USD) for å konkurrere om et stipend i Abidjan. Han sikret stipendet, men måtte sove i klasserommet fordi han ikke hadde noen steder å bo. Om morgenen ville han late som om han nettopp hadde kommet "fra et hjem jeg ikke hadde."
I desember 2010, da spenningene blusset og det var sporadiske voldsutbrudd i Abidjan, flyttet Aboudia inn i et 10m2 studio uten dusj eller toalett, med bare fire malerier til hans navn.
Han bodde i nærheten av Abobogare, jernbanestasjonen i et av Abidjans mest tettbygde nabolag. Området har lenge vært et tilfluktssted for migranter og andre fattige mennesker. Han ble inspirert av barnas graffiti på offentlige vegger, hvordan barna brukte trekull for å skrape bilder av biler, TV-apparater og andre statussymboler.
"Barn ble mitt forbilde: de svakeste, ikke tatt på alvor, ble bortvist, alene i sin verden, " sa Aboudia.
“Det er en barnestil - som graffiti som du finner på gaten. Det er som det er de som sender en melding gjennom meg.”
Aboudia refererer til sin kunstneriske stil som "nouchi", den urbane slangen som er snakket av unge mennesker i Abidjan.
“Det er en barnestil - som graffiti som du finner på gaten. Det er som det er de som sender en melding gjennom meg.”
Aboudia lager betydninger i maleriene sine ved å bruke resirkulerte gjenstander som sigarettpapir, tomme sementposer og flate “Afrika” fyrstikkbokser. I den åpne garasjen er det en bokhylle fullpakket med funnet gjenstander: tegneserier, sigarettpapirer, bildebøker, magasinomslag, ordbøker…
Det første trinnet i den kunstneriske prosessen er å legge en collage på lerret. I et maleri kikker en Moulin Rouge-plakat fra flekker av grått kritt: "Oppdag … den mest berømte kabareten i verden." I et annet er fotografiet av en afrikansk kriger skissert i svart akryl, og hans funksjoner er slettet av maling.
I det andre trinnet legger Aboudia til akrylmaling og avslutter deretter lerretet med pigmentkryter og Kaolin, myk leire som gnides på huden til deltakerne i tradisjonelle seremonier. Han har til og med brukt pulverkaffe for å få den rette skyggen av brun. Det siste trinnet er tillegg av tekst eller tall. Tittelen er vanligvis innlemmet i hans kunstverk: "Valg gift", "ONUCI" (FN-oppdraget i Elfenbenskysten), "Interdit d'uriner" (Urinering er forbudt her.)
De tidlige maleriene er stort sett i jordtoner og pasteller. Barna er pinnefigurer, omgitt av beroligende ord fra familiefigurer - “Et kyss, Maman” - og ansiktene har en mykhet mot dem, de ovale hodene og avrundede øyne og munn tyder på uskyld.
Maleriet "Ikke pisse - får deg i trøbbel" ble laget i 2010 før barn ble truet av borgerkrig. Ordene “fine” og “palabre” (et annet ord for en krangel) henger i lufta. Maleriet minner om en epoke da politiet hadde tid til å håndtere smålig forseelse.
Aboudia hadde ikke $ 0, 95 USD til å ta toget, så han ville gå 30 km inn i sentrum av Abidjan for å vise maleriene sine til gallerieierne. Hans arbeid ble ofte avvist fordi det ikke gjenspeilte tradisjonell afrikansk kunst når det gjelder teknikk eller innhold.
Historisk har vestlendinger insistert på etnisk identifikasjon for afrikansk kunst; de mener det bør gjenspeile “tradisjonell kultur”: en assosiasjon med magi eller trolldom, skildring av afrikanske dyr som løver og antiloper, bruk av naturlige farger og urfolk (som gullskulpturene i Ghana eller treskjæringer laget av Baulé mennesker fra trærne som ligger langs den ivorianske kystlinjen).
Med internett og økende globalisering begynner den ivorianske kunsten å innlemme vestlige teknikker og ideer. Tradisjonen blir tenkt på forskjellige måter, og klassisk bruk av form og farge blir kastet til side. Ivorianske kunstnere streber etter å bli anerkjent som individer i stedet for enheter som representerer regioner - eller hele kontinentet - i Afrika.
Det er mange kunstnere som jobber i tradisjonell afrikansk stil, og noen som kopierer berømte vestlige stiler og gir dem et 'afrikansk preg.' Men det er bare noen få som har en identitet, en individuell stil,”sa Aboudia. “Du vet, vi kjenner hverandre, vi gjør noen ganger en av få gruppeutstillinger året rundt sammen, men det er det. Jeg er vant til å være alene, jobbe alene… at de fleste andre kunstnere ikke liker eller ikke forstår arbeidet mitt.”
Da Aboudia til slutt solgte sine første malerier, sa han at kundene var "de hvite, ambassadørene og galleri-eierne i andre land."
I februar i fjor ble lerretene til Aboudia større, travlere og mørkere, med spøkelsesaktige skjelettlegemer og skarlagensfarge. De har et mareritt aspekt for dem med munn som gaper, tenner som ligner gravsteiner og tøffe, rettvinklede kjevelinjer og templer.
Aboudia er blitt sammenlignet med Jean-Michel Basquiat, den Haiti-fødte maleren som begynte sin karriere som graffitikunstner i New York City. Aboudia har tatt i bruk noen av Basquiat's teknikker: de spontane børstetrykkene, de boxy hodeskallene og barede tennene, kombinasjonen av tekst, media og koder - logoer, ord, bokstaver, tall, piktogrammer. (Aboudia malte “Hommage to Basquiat” der en silhuett av New Yorkers ikoniske dreadlocks er midt i scenen.)
Et av Aboudias mest kjente malerier av borgerkrigen var "Invisible Commando", der en soldat blir vist skyte en politimann. Stefan sa at det var farlig å vise dette bildet under konflikten.
Den "Invisible Commando" var kallenavnet til stabssersjanten Ibrahim Coulibaly. I januar 2011 var Coulibaly leder for en militsgruppe som støttet presidentvalgte Ouattara. Han bodde i Aboudias tidligere nabolag, Abobo, der militsen hans ledet en serie overraskelsesangrep mot pro-Gbagbo-styrker. Da Gbagbo ble avsatt, startet president Ouattara operasjoner for å avvæpne militser på begge sider, men Coulibaly nektet å forlate armene og ble drept i en skuddveksling 27. april 2011.
Camouflage farger dominerer maleriet, bortsett fra et glødende FNs operasjoner i Elfenbenskysten (ONUCI) i bakgrunnen. En "Vote Gbagbo" -plakat blør gjennom det høyre hjørnet av lerretet, og viser den selvsikre tidligere presidenten som hilser publikum.
Ivorianske kunstnere vil at kunstverkene deres skal bli verdsatt for sine egne fordeler snarere enn omstendighetene det ble laget.
Tidenes mørke er følbar i alle Aboudias malerier under krigen. Lagdelingen av avrevne bilder etterligner brutaliteten i Aboudias miljø, dratt av soldater og avskallingen. Oppsving av tall og bokstaver i bakgrunnen gir forvirring; mennesker blir forvrengt gjennom linsen fra borgerkrig. Man skimter bandasjede hoder og ansikter med øynene strøket ut.
Maleriene inspirert av borgerkrigen førte Aboudia til publikum. Etter betydelig internasjonal medieomtale, holdt galleriseier Jack Bell den ivorianske malerens første utstilling i fjor sommer i London. Nå er Aboudia i stand til å leve komfortabelt av inntekten.
“[Konflikten] er det folk er interessert i - og den åpner døren. Men fordi han ble anerkjent i verden for sine krigsmalerier, betyr det ikke at maleriene før det var… mindre,”sa Stefan. "Men han var den første kunstneren som malte dokumentaren om konflikten."
Og Aboudia ser ikke på seg selv som bare en "krigsmaler."
“Konflikter er en del av livet, i likhet med andre positive ting også. Min rolle er å observere og male. Hvis jeg ikke kan gjøre det, så er jeg fortapt,”sa han. "Hvis det kan hjelpe folk å huske hva som skjedde de siste månedene, er det bra, men fremfor alt malte jeg disse verkene for meg selv."
Som Stefan sa: "Han maler fordi han må male."
Ivorianske kunstnere har lyst på å bli definert av konflikten - de vil bare legge den bak seg. Vestlige medier har en tendens til å konsentrere seg om de mest elendige aspektene av Vest-Afrika: borgerkrig, fattigdom, AIDS. Ivorianske kunstnere vil at kunstverkene deres skal bli verdsatt for sine egne fordeler snarere enn omstendighetene det ble laget.
”Krigen og krisen før den var en episode som jeg dokumenterte, ikke mer og ikke mindre. I dag har jeg [fjernet krigsmalingsbørstene mine, og jeg maler nok en gang menneskers små hverdagsglede,”sa han. "Jeg har begynt å gå tilbake til Abobogares barn."
Og Stefan er i ferd med å lansere det første online galleriet for ivoriansk samtidskunst i oktober 2012; det representerer hans nåværende vaktliste, inkludert Aboudia og billedhuggeren Camara Demba. Han har kåret nettstedet Abobogare.com.
Yubah jobber med unge artister
Reiser mellom bredden av Europa og Afrika
Virginia Ryan og Yubah Sanogo jobber i Cocody-området i Abidjan. Virginia er en australskfødt kunstner gift med den italienske ambassadøren i Elfenbenskysten; hennes bolig huser et kunststudio, der Yubah, en innfødt ivorianer fra Senufo (en etnisk gruppe i Nord-Elfenbenskysten), har vært hennes assistent i tre år. Yubah pendler mellom hjemmet hans i byen Bingerville og Abidjan.
Da jeg ankom den italienske ambassaden, ba vaktene om en identifikasjon, ga meg en rask gang og åpnet porten. Jeg var tidlig og Yubah hadde gått ut for lunsj. En av tjenestene tok meg med til den bakre verandaen der jeg hadde utsikt over en terrassert, grønn hage og et asurblått basseng, der to livvakter solte seg.
Da Yubah rundet hjørnet av huset, hadde han på seg den ikoniske malerens jeans og en stripet golfskjorte. Vi gikk nedover verandas trinn og satte kurs mot venstre til arbeidsområdet.
Studioet hadde to dekkede områder. Den ene var teppebelagt i kunstgress for skulpturer, som den gigantiske havfruens hale laget av svart hårforlengelser. Det var også en mindre versjon av havfrue halen, laget av ledning, vendinger av plasttråd og plastdukkehoder, bleket hvitt - de så ut som solbelagte skjell. Virginia og Yubah hentet disse gjenstandene fra strandlinjen til Ébrié-lagunen, der Abidjan ligger.
Under fjorårets krig pendlet Yubah mellom sitt eget arbeidsområde i Bingerville og arbeidsområdet han deler med Virginia på den italienske ambassadeboligen. På høyden av krisen i april 2011 klarte han ikke å forlate ambassadeboligen, men dette tillot ham å jobbe kontinuerlig. Han fortalte at han malte bilder som var "mørke og fulle av tristhet og fred" mens skuddskratt skranglet rundt ham. For å illustrere poenget viste han meg en sprekk i en av veggene, der en kule hadde kiklet.
Situasjonen i Bingerville var verre. Mens Yubah malte der, sprutet blod på lerretet hans da en kule beite en kvinne som gikk forbi med barnet sitt.
"Jeg forlot såret [på lerretet] for å si 'aldri mer', " sa han. “Det presset meg til å jobbe hardere; det skyver hvem jeg er og hva jeg maler.”
Han skrell forsiktig plasten fra et intrikat sett med havfruehoder som han hadde laget med Virginia til utstillingen The Spirit of the Water i november 2011. Han avdekket papirmatte-gjenstander utsmykket med detritus fra kysten - skjell, dukker og leker soldater. De hadde en floke med hårforlengelser og klinkekuler for øynene. Forlatte gjenstander som vasker i land er et tilbakevendende tema i Virginia's kunstverk og har også sivet inn i Yubahs arbeid.
Det som holdt hennes “kunstnervenner” i Abidjan gående under fjorårets krig, var kunnskapen om at deres medkunstnere også fortsatte å jobbe.
The Spirit of the Water, Virginia's utstilling, var inspirert av ideen om at mytologier reiser mellom land og bokstavelig talt blir feid i land. Virginia identifiserte havfruen som en viktig "mytologibærer" mellom europeere og afrikanere i århundrer.
I januar 2010 ba Virginia kunstnere i Elfenbenskysten og Ghana om å lage verk inspirert av dette havfruetemaet. Med støtte fra Charles Donwahi Foundation for Contemporary Art åpnet utstillingen 25. november 2011, med 50 verk, da krisen begynte å eskalere. Kunstnerne hadde innsett havfruetemaet i alt fra tradisjonell batikk til bronse og gips.
Yubah produserte en kube kalt “La Mère de la Mer” (Havets mor). Hver side av kuben er full av blek blå farge; på den ene siden er tauet sydd inn i lerretet for å lage en havfrues hale og flytende hårlåser. Den sitter nå i stuen til Virginia - en av mange stykker hun har kjøpt siden hun ankom Elfenbenskysten i januar 2010.
En av Stefanus klienter, Camara Demba, skapte en skulptur med tittelen “Mamiwata meets Manga”; havfruen hans har en stilig, gul krone, grå hale og mørkegrønn overkropp. Abidjan-fødte Salif Youssouf Diabagaté malte en tragisk, innesluttet havfrue på overflaten av gjenbrukte postvesker, med tittelen “Vision of Mami Wata.” Dramane Quattara, en billedhugger fra Grand-Bassam, Elfenbenskysten, skapte to vridende havfruer cast i bronse, hvert hode bundet til den andres hale.
Det var også en blank hale med havpikermattejakke med ordet "fred" på den hengt opp fra taket. Artistene inviterte deltakerne til å skrive sine kommentarer til det på hvilket som helst språk. Det ble det ultimate kollektive verket - et kunstverk som ble unnfanget i lokalet og bare kunne fullføres av andres ord.
I begynnelsen av desember 2010 ble utstillingen kansellert på grunn av krigen. Virginia undret seg over hvor håpefulle folk var på utstillingen The Spirit of Water - bare noen måneder før byen falt fra hverandre.
Men dette var ikke ukjente omstendigheter. Konflikten i Elfenbenskysten utløste minner fra traumet Virginia hadde opplevd "tredjegang" i Beograd på begynnelsen av 1990-tallet. Under den borgerkrigen, tenkte hun måter å "bevege seg ut av sin egen hud som kunstner og forestille seg andre måter å lage kunst med mennesker under eller etter situasjoner som det."
Konstant bevegelse har preget mye av Virginia's liv. Hun har bodd i Ghana, Egypt, Brasil og eks-Jugoslavia.
"Men heller enn at det blir en slags feilplassering … opplevelsen av forskyvning strømmer helt inn i arbeidet mitt, " sa hun. "Jeg prøver alltid å skape en slags stabilitet midt i bevegelsesopplevelser."
Da hun og mannen flyttet til Edinburgh, Skottland, fullførte hun et vitnemål i kunstterapi. Det forsterket hennes ønske om å få kontakt med andre grupper av kunstnere. For henne er denne samlingen av mennesker en del av prosessen med å helbrede og også en måte å hjelpe nye kunstnere. Det som holdt hennes “kunstnervenner” i Abidjan i gang under fjorårets krig, var kunnskapen om at også deres medkunstnere fortsatte å jobbe.
"Jeg tror at det er ekstremt verdifullt at kunstnere fortsetter å jobbe … det er et tegn på at det er en slags sosial samhørighet, " sa hun.
“Kunst [er alltid] knyttet til sosial handling. Selv om jeg er på mitt eget rom og gjør noe som virker skilt fra resten av verden, er det ikke…. På det nivået tror jeg at [kunst] er verdifullt i seg selv - du trenger ikke [det] av andre grunner.”
Virginia vil gjerne etablere en stiftelse som ligner den hun grunnla i Ghana i 2004, opprettet for å gi et aktivt nettverk for kunstnere og for å utvikle samtidskunsten i Ghana. Den har vokst til 100 medlemmer.
Det har vært litt vanskeligere å skape den sosiale samholdet i Abidjan, men Virginia har hatt en viss suksess med å promotere ivorianske artister. Hun ledet en gruppe som het Abidjan Anglophone Art Safaris. Det beskrives som "for elskere av vestafrikansk kunst - på engelsk" og gir utvandrede muligheten til å lære om samtidskunst og engasjere seg med unge ivorianske kunstnere.
Kunstsafariene handler om dobbelt eksponering: Art aficionados blir utsatt for vestafrikansk kunst og kunstnerne for et bredere publikum og potensielle kjøpere. Faktisk dukker dobbelthet ofte opp i samtidskunsten i Elfenbenskysten, enten det handler om sammensmelting av to kulturer eller om klassiske og moderne teknikker.
Forholdet mellom utvandrer og kunstner er ikke ensidig. Samhandling med vestafrikanske kunstnere har forandret Virginia's kunst, fra temaene til det resirkulerte materialet hun bruker. På mange måter er Virginia den hun hevder å studere - en kvinne som reiser mellom bredden av Europa og Afrika.
Når kasserte gjenstander reddes, blir de flerfasettert: praktisk og miljøvennlig, fordi søppel blir kunst; tidløs, fordi de får et nytt liv når de vandrer fra den ene kysten til den andre, deretter fra sine miljøer som er funnet til kunstnerens lerret. De blir også gjenstander gjennomsyret av historie hver gang de blir hentet fra kysten.
Da Virginia dro til Accra, bagget hun alle de dyre kunstartiklene, men hun følte seg skyldig i å bruke dem når ingen andre hadde råd til dem. Hun observerte hvor kreative ghanesiske kunstnere var i å bruke det som var rundt dem og vedtok deres filosofi.
I den tradisjonelle Elfenbenskysten er funksjonen verdsatt over formen. Det handler ikke så mye om skjønnheten i objektet, men formålet det tjener. Selv om vestlendinger har en tendens til å sette pris på kunst for sin egen skyld, har vestafrikansk kunst historisk sett vært bundet til dens variable bruksområder snarere enn til den estetiske verdien. For eksempel kan en maske representere forfedre eller mektige ånder, og den letter kommunikasjonen mellom mennesker og overnaturlige vesener. Andre gjenstander er laget i form av mennesker og dyr figurer; de er vant til å avverge ondskapen ved sykdom, naturkatastrofer eller infertilitet.
Historisk sett må objektet være nyttig før det kan gjøres vakkert; skjønnheten er ganske enkelt en del av funksjonen. Av denne grunn hadde kasserte gjenstander liten verdi og ble oppfattet som ubrukelige eller foreldet. Men Virginia har bidratt til å fjerne den stigmatiseringen for Yubah, som nå bruker dem regelmessig i sin kunst.
"Hvis du resirkulerer et objekt og puster nytt liv i det, handler det på en måte om håp og fornyelse - og det er hva folk trenger å føle etter et stort sår som en krig, " sa Virginia.
Ved å omfavne ivorianske og europeiske teknikker blir han effektivt en kanal som knytter den moderne ivorianske kunstscenen til den globale.
Yubahs bruk av resirkulerte materialer gjenspeiler ikke bare en samtidskunstbevegelse, men oppfordrer også andre kunstnere til å bruke lett tilgjengelige, kostnadseffektive gjenstander for sin kunst - og å forestille seg forskjellige bruksområder for disse gjenstandene: Kyllingtråd kan støpes til smykker; sommerfuglvinger blir sydd for å lage en billedvev; tomme dunker blir trommesett. Og de blir faktisk symboler på landets fornyelse etter borgerkrig.
I 2010 begynte Yubah å samarbeide med Terre des Hommes, en organisasjon som driver et uformelt utdanningsprogram for slumbarn i det sørøstlige Elfenbenskysten. Han samarbeidet med disse barna på en skulptur laget av resirkulert gårdsmateriell. De hjalp ham også med å gjenvinne poser med vann fra gatene, og ødelagte blader og kasserte halskjeder og sko fra kysten. Det endelige produktet ble belagt i hvit maling og dekorert med en smattering av svarte stjerner. Hensikten med skulpturen var å bevise for disse barna at det å være kunstner ikke var utenfor deres midler.
Yubah er også president for et lokalt kollektiv, Young Artists Association in Bingerville, som gir unge kunstnere støtte og veiledning etter at de er ferdige med skolen.
"[Før] da kunstnere var ferdige med skolen, hadde de ingen retning, " sa han. Så vi bestemte oss for å samarbeide for å bringe disse studentene tilbake i kontakt med [mer erfarne artister] for å forbedre deres tekniske og profesjonelle ferdigheter. Vi ønsker å samarbeide med alle billedkunstnere i Elfenbenskysten og andre kunstnere [i Afrika].”
Det er ingen medlemsavgift; i stedet må hver av de 50 kunstnerne bidra med et maleri til en utstilling som de håper vil generere midler til foreningens behov, som spenner fra malermateriell til arbeidsområde.
Under fjorårets krig samarbeidet kunstnerne i Bingerville for å sikre at de var i stand til å fortsette å lage kunst ved å dele arbeidsområder og forsyninger - og viste sin solidaritet ved å fortsette å jobbe under krisen.
I Yubahs tilfelle bekreftet kunstverket hans et annet faktum: Ved å omfavne ivorianske og europeiske teknikker blir han effektivt en rørledning som forbinder den moderne ivorianske kunstscenen med den globale.
"Jeg lager en blanding [av kunstformene], for når jeg blir mer kjent med verden, vil jeg at hver person skal finne seg i arbeidet mitt, i maleriene mine, " sa han.
Føtter i tradisjon, leder i modernismen
Mère U (Mor U)
Galerie LeLab er et kunstnerkollektiv i Abidjan-utvistedistriktet i sone 3, drevet av en franskmann, Thierry Fieux. Fieux lanserte LeLab for å markedsføre og selge arbeidet til moderne ivorianske kunstnere. Han er også investert i å trene dem om gjeldende praksis innen billedkunst for å gjøre dem mer konkurransedyktige på verdenscenen. For tiden viser LeLab ut verkene til seks kunstnere.
Med utgangspunkt i kulturministeren og Francophonies påstand om at festivaler er grunnfjellet for enhver kultur, lanserte Thierry International Visual Arts Festival of Abidjan i 2007.
Det er en tverrfaglig festival, som blant annet inneholder malerier, skulptur, fotografering og et symposium. Målet er å forene kunstnere fra Europa, Amerika, Asia og Afrika rundt temaet kunst og utvikling. Det fremhever også fremvoksende artister som viser kunstene sine for visning og salg på Galerie LeLab. Festivalen finner sted over tre uker på galleriet, Charles DONWAHI Foundation for Contemporary Art og andre kunstneriske arenaer i Elfenbenskysten.
I likhet med Stefanas liste over kunstnere, er de fleste av Thierrys kunstnere unge ivorianske menn som søker å tjene penger på kunsten sin. Det er en tydelig mangel på kvinnelige ivorianske artister. Historisk sett er kvinner blitt ekskludert fra kunstverdenen; kjønnsskjevhet er fremdeles sterk i dag i Elfenbenskysten og ideen vedvarer at en kvinnes plass er i hjemmet, der de kan oppdra barn og har en tendens til husarbeid.
En av Thierrys nye kunstnere er Djeka Kouadio Jean-Baptiste, som stiller ut regelmessig på Galerie Lelab og var Aboudias assistent for kunstverkstedet i februar. I likhet med Yubah jobber Djeka fra sitt hjem i Bingerville.
Den tretti år gamle maleren ble født i Bouaké, den nest største byen i Elfenbenskysten. Han har en sterk tilknytning til sin ivorianske arv og beklager det faktum at hans forfedre er "intellektuelle som har blitt glemt." I komposisjonene hans tegner han symboler for tredimensjonale gjenstander som masker, statuer, figurer og skalaer for å veie Akan gull.
Djeka har utmerket seg som en kunstner ved å bruke en impasto-teknikk for å representere båndene mellom mennesker, deres kulturelle verdier og universet. Teknikken kalles “couler”, der han lar flere farger flyte sammen på lerretet. Hans penselstrøk skaper bevegelse og spenning i maleriene. Tykkelsen på malingen og hans bruk av geometriske symboler og mønstre gjør at maleriene virker tredimensjonale. Noen ganger lagrer han bilder over avispapir - en teknikk også brukt av Aboudia. Han forestiller seg tradisjonelle bilder og bruker moderne teknikker for å oversette dem til lerretet sitt.
Djeka sa at han fokuserer på esoterisk, afrikansk arv i sine kunstverk. Han vil at observatøren skal fundere over de åndelige og historiske dimensjonene i maleriene sine. Han hyller sine forfedre (“fordi vi er nåværende mennesker i en tidligere generasjon”), men ønsker også å utfordre konseptet deres med ivoriansk kunst.
Djeka ble værende i Abidjan og malte under konflikten. I likhet med Yubah jobbet han kontinuerlig fra studioet sitt hjemme i Bingerville. Han benekter ikke at konflikten påvirket arbeidet hans, men det er ikke spesifikt for fjorårets borgerkrig.
"Hvilket tema er mer konfronterende [enn den afrikanske arven] mellom oss?" Spurte han. "Siden de første trinnene mine inn i kunsten, er konflikt et daglig ord … spesielt når vi ønsker å innlede kulturens tilbakekomst i Afrika og spesielt [i Elfenbenskysten]."
Djeka fortalte meg at han har føttene i tradisjon, men hodet i modernismen.
Billedhugger Camara Demba
En av Stefan Meisels klienter, Camara Demba, har stilt ut på Galerie Lelab og deler en lignende kunstnerisk prosess med Djeka når det gjelder å smelte det tradisjonelle og det moderne.
Camara ble født i handel med skulpturer og begynte å jobbe i denne kunstformen i barndommen. Fra en tidlig alder skaffet han seg en dyp kunnskap om materialer og eldre tradisjoner i den ivorianske skulpturen. Forfedermasker inspirerte de tidlige arbeidene hans - han hugget statuer av tre og innebygde skjell, metallstendere og negler i kunstverket for å etterligne skarphetsmerker.
I tjueårene satte Camera en moderne vri på kunsten sin. Han hadde tilgang til vestlige medier og Internett og ble sterkt påvirket av Manga-tegneserier og vestlige billedhuggere.
I 2000 oppnådde han en viss suksess og fant en agent, som gjorde det lettere å selge verkene sine i Europa; dessverre tok agenten mesteparten av inntektene sine. Billedhuggeren vendte tilbake til tradisjonelle former for kunst for å tjene til livets opphold, men et tilfeldig møte med Stefan i 2011 antente hans ønske om å komme inn i den moderne kunstverdenen igjen.
I fjor produserte han en samling kalt Demba Manga. I Camaras 30 kreasjoner, blandes forfedres gjenstander og dyr som fugler, elefanter, antiloper og krokodiller med denne verdenen av science fiction og videospill. Andre skulpturerte roboter har tradisjonelle afrikanske kropper, men de livlige fargene og hodene til Manga-superhelter med unormalt store øyne og grønt eller blått hår.
Hjemme hos Stefan så jeg et par av Camaras skulpturer, laget av tungmalt tre. Tettheten av treverket og glansen av malingene fikk dem til å se ut som om de var laget av plast eller metall.
En av skulpturene så ut som en astronaut; en sykkelpedal kastet ut av hodet og venstre hånd var en resirkulert del fra en ødelagt skriver eller kjøleskap. Men skulpturen hadde emblemene til tradisjonell ivoriansk kultur: skarpheten i kroppen, det maskelignende ansiktet, de svingete bena.
Stefan beskrev Camara som en kunstner som var en del av “mellom generasjonen” etter Elfenbenskysten uavhengighet i 1960.
”Han har ennå ikke skilt seg løs fra familietradisjonen, men har heller ikke kommet frem til en selvstendig, egen stil. Men Camara Demba er en virkelig representasjon av sin tid og hans generasjon - en forløper for afrikansk samtidskunst, ikke kopiering, men påvirket på begge måter. Hvis han [fortsetter slik], vil han være [referansepunktet for en kommende generasjon.”
En kunstner, ikke en tigger
Første gang jeg så artisten Adamo Traoré, ble han installert ved inngangen til kjøpesenteret, Hypermarche Sococé, nesten utslettet av støv og røyk. En stor paraply ble presset på de spisse stengene i porten til kjøpesenteret. Under dette ville Adamo sitte og male eller løpe gjennom inventaret sitt.
Den 32 år gamle artisten maler med en penn mellom haken og spissen av hans gjenværende arm. Han ble født uten underekstremiteter eller armer, men klarer å gå med en krykke. Før han kommer, setter en sikkerhetsvakt opp maleriene sine langs de malte stengene i portene; Så når Adamo kjører inn med taxi fra Adjamé, et nabolag i Abidjan, hjelper vakten ham med å organisere papirene og lerretene sine samt palettenes gouache (ugjennomsiktig akvarell).
Jeg besøkte Adamo i slutten av mai. Han ankom Sococé rett før middag og hadde på seg en ryggsekk over kroppen for å holde pengene han mottar.
Jeg krøpet meg under paraplyen hans for å unngå middagssolen. Det var vanskelig å tro at han hadde vært her siden 2007; Selv om Sococés eiere har vært rause med å dele uterommet med ham, er miljøet neppe ideelt. Likevel klarer han å produsere femten tegninger om dagen - selv om maleriet han må gjøre i etterkant tar mye lengre tid.
Adamo på jobb
Hans malerier viste landskapene i Elfenbenskysten: frodige, ekvatoriale skoger og slappe innsjøer fulle av fisk ("nok fisk til alle, " fortalte han meg). Hans barnemalerier inneholdt Dora the Explorer i forskjellige eksotiske omgivelser. Religion fant seg også ganske tydelig: I ett maleri løftet Jesus en flamme i bønn, ansiktet innrammet av en krans av roser; i en annen innrammet palmeslynger og en telyshimmel en moske.
Selv om folk setter pris på kunsten hans, innrømmet han at det kan ta måneder å selge, og sol og regn forringer maleriene hans. Han har håp om å få et arbeidsområde innendørs; selv etter fem år i Sococé virket optimismen hans ikke redusert.
Da Adamo var ni år gammel, møtte han direktøren for Providence, et senter for fysisk funksjonshemmede barn; det primære målet var å gjøre de 200 barna i senteret uavhengige. Den franskfødte Marie Odile Bilberon ønsket Adamo velkommen til sentrum og lærte ham å gå, snakke fransk og pusse tennene. Hun introduserte ham også for tegning og lærte ham hvordan han skulle sette og harmonisere farger. Han deltok i utstillinger og produserte gratulasjonskort som ble solgt av Providence for å skaffe midler til institusjonen.
En dag kom moren til Marie Odile for å be henne om penger, og Marie Odile nektet. Adamo kunne ikke tro at de ikke kunne skåne noen få franc for moren etter alt han hadde gitt til organisasjonen. I 2000 dro han og flyttet inn sammen med venner i distriktet Abobo, der han tryglet i gatene for å overleve.
Men i 2005 tok han beslutningen om å vende tilbake til maleriet og til slutt bosatte seg i Sococé. Han har hatt få fravær unntatt under fjorårets krise, da han ble tvunget til å søke tilflukt i hjemmet sitt i Abobo.
Jeg fortalte Adamo at dette var mitt første vestafrikanske kunstkjøp og ba ham velge hvilket maleri han ville at jeg skulle ha. Først viste han meg et dempet maleri i browns og beiges. Ved første øyekast så det ut som en amorf gjenstand som hadde blitt gravlagt i bakken. Adamo fortalte meg at det var et bilde av en livmor og babyen var fysisk funksjonshemmet. Over babyen var ordene "Abort er ikke riktig."
"Du skal ikke ødelegge det Gud ga deg, " sa han før han gikk videre til neste maleri; i den ene holdt Jesus et lys.
"Han gir meg mot, " sa han. "Jeg er en artist. Jeg er ikke tigger.”Han gjentok den setningen flere ganger den dagen.
"Jeg tar denne, " sa jeg. Da jeg rakte frem for å legge pengene i ranselen hans, kastet en kvinne 5000 CFA ($ 10 USD) ut bilvinduet hennes. Adamo smilte akkurat lenge nok til å fange blikket, vendte tilbake til papirbladet og slo sitt siste salg av listen.
[Merknad: Denne historien ble produsert av Glimpse Correspondents Program, der forfattere og fotografer utvikler langformede fortellinger for Matador.]
![Omfanget Av Havforurensning Er Overveldende, Men Kunst Kan Bidra Til å Forhindre Det [Galleri]](https://i.trendingcountries.com/images/713305/extent-marine-pollution-overwhelming-art-can-help-prevent-gallery-j.webp "Omfanget Av Havforurensning Er Overveldende, Men Kunst Kan Bidra Til å Forhindre Det [Galleri]")
